Manuel López Gómez: Un viaje entre la fantasía de Ravel y la intensidad de Shostakóvich

El próximo 29 de marzo, la Orquesta Filarmónica de Medellín presenta Homenaje a Ravel y Shostakóvich: raíces opuestas, un concierto dirigido por el venezolano Manuel López Gómez. El programa explora contrastes entre la fantasía de Ravel y el dramatismo de Shostakóvich, junto con obras de Wagner y Estévez. En esta entrevista, López Gómez revela cómo cada pieza dialoga con la historia y la emoción, ofreciendo al público una experiencia musical que va de la ensoñación a la intensidad histórica.

Filarmed: El programa contrasta dos enfoques radicalmente distintos a través de Ravel y Shostakóvich. ¿Cómo aborda su dirección para resaltar sus diferencias y conectar con el público?

Manuel López-Gómez: La magia de este concierto radica en la oposición entre la delicadeza de Mi madre la Oca de Ravel y la fuerza arrolladora de la Sinfonía n.°12 de Shostakóvich. Ravel nos transporta a un reino de fantasía, a la pureza de la infancia con una orquestación exquisita, llena de colores sutiles. Es una música que apela a la sensibilidad y la imaginación. En cambio, la sinfonía de Shostakóvich nos enfrenta con la crudeza de la Revolución Rusa, con un dramatismo feroz, y un lenguaje sonoro que evoca la lucha, la tragedia y la esperanza. Este programa es un viaje emocional completo, desde la ensoñación hasta la realidad más cruda, y su impacto se magnifica por el contraste entre ambas obras.

F: La obra de Shostakóvich sobre la Revolución bolchevique ha sido interpretada de diversas maneras, desde un apoyo genuino hasta una crítica encubierta. ¿Cuál es su interpretación personal de esta sinfonía, y cómo la comunica en el escenario?

MLG: La Sinfonía n.° 12 de Shostakóvich cumple con los principios del realismo socialista en su estructura programática y final triunfal, pero bajo esta fachada se esconde una visión ambivalente de la Revolución de 1917. No se trata de una crítica abierta al régimen –lo cual habría sido peligroso para el compositor– ni de una glorificación ingenua. La tensión entre obligación y expresión genuina es clave en la interpretación de la obra.

El último movimiento, El amanecer de la humanidad, refleja un heroísmo forzado, casi histérico, que plantea la pregunta: ¿es un verdadero triunfo o una imposición? En Petrogrado Revolucionario, la lucha no se exalta, sino que se retrata con un realismo cinematográfico de caos y violencia. El segundo movimiento Razliv, en cambio, sumerge en la melancolía y el presagio, mostrando una faceta introspectiva de la revolución. Finalmente, Aurora se presenta como un scherzo grotesco, oscilando entre lo heroico y lo caricaturesco.

Esta interpretación busca resaltar las capas emocionales de la sinfonía, permitiendo que el público perciba su complejidad más allá de la propaganda oficial. La ambigüedad –forzada o intencional– es una característica esencial en la música de Shostakóvich, y en esta sinfonía, lejos de ser una simple celebración revolucionaria, sugiere una reflexión sobre sus consecuencias humanas.

F: Mediodía en el llano evoca paisajes venezolanos. ¿Qué retos presenta y cómo se integra con el resto del programa?

MLG: La pieza de Antonio Estévez es una joya del repertorio latinoamericano. Es una obra que logra evocar la inmensidad del horizonte, el calor del mediodía y la soledad de la llanura venezolana. Es un poema sinfónico en miniatura, lleno de color y de una profunda nostalgia.

Su orquestación es magistral en su simplicidad, casi minimalista, pero profundamente expresiva.  A pesar de su contraste con las otras obras, la integración en el programa es natural: funciona como un momento de pausa, de contemplación. Al igual que en la suite de Ravel, hay una sensación de ensueño, pero aquí no es la fantasía infantil, sino la inmensidad de la naturaleza. Esta obra también actúa como un puente entre mis raíces y la tradición sinfónica europea, mostrando la riqueza del repertorio latinoamericano.

F: A 150 años del nacimiento de Ravel y 50 de la muerte de Shostakóvich, ¿qué lecciones nos dejan sobre música y sociedad?

MLG: Ambos siguen vigentes porque su música trasciende su tiempo. Ravel nos recuerda el poder de la belleza, la precisión y la imaginación. Su meticulosidad en la orquestación y su capacidad para crear mundos sonoros siguen siendo una referencia. Shostakóvich, en cambio, nos confronta con la complejidad de la historia y la lucha entre expresión personal y censura. Nos enseña que la música no es solo entretenimiento, sino un reflejo de la condición humana y una herramienta de resistencia y reflexión. Nos interpelan, nos conmueven y nos siguen enseñando sobre la capacidad de la música para capturar lo más profundo del alma humana.

F: ¿Qué palabra o emoción definiría este concierto y qué espera que el público experimente?

MLG: “Catarsis”. El programa abarca un espectro emocional tan amplio y profundo que permite al público experimentar una suerte de liberación emocional. Pasamos de la dulzura de Ravel a la solemnidad de Wagner, la inmensidad del llano venezolano en Estévez y culminamos en el torbellino emocional de Shostakóvich. No espero que el público salga simplemente “feliz” o “contento”; eso sería simplificar demasiado la experiencia. Espero que se sientan movidos, en el sentido más amplio de la palabra, que experimenten emociones que los hagan sentirse más vivos, más conscientes, más humanos.

F: ¿Qué simboliza para usted una temporada titulada Raíces?

MLG: Para mí, Raíces representa la conexión con el pasado, la identidad cultural y la evolución musical. No es solo una etiqueta, es una filosofía que nos recuerda de dónde venimos y hacia dónde vamos. La música es un árbol con raíces profundas y ramas que se extienden hacia el cielo. Es un recordatorio de que la tradición y la innovación no están en conflicto, sino que se alimentan mutuamente. Esta temporada es una celebración de nuestras influencias y también una apuesta por el futuro.

El concierto
Boletería desde $44.000 para público general y $25.000* para estudiantes

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